Um exemplo característico da arte jônica com a performance do Hepapanti, onde se destaca o encontro da tradição oriental e ocidental.
A arte jônica, essa mistura fascinante de Oriente e Ocidente, nos presenteia com obras que são a suprema transcendência do tempo. Um ícone da Ceia do Senhor que, mesmo representando um momento sagrado da história da humanidade, poderia ser simplesmente encarado como mais uma obra de arte da “período religioso”.
Mas não é o caso. Este é um ícone do século XII, mas com a vivacidade do início do século XVIII; nem mais, nem menos. E, se isso não bastasse para tornar a obra interessante, temos também o espaço arquitetônico da cena como o “álamo” de referência à Grécia Antiga, numa obra verdadeira que, na primeira vista, bate à porta do espectador, como um albergue nos tempos de Jesus.
Esperamos também contar com a presença de tons de dourados, lembrando o esplendor das califas de Córdoba, mesmo que a obra não tenha passado por nenhuma “restauração” no caminho.
No centro dessa composição, está a Virgem Maria com o Menino Jesus em seus braços, assim como uma Aparecida celestial. Ao seu lado, a figura de Simeão, a do Teodoro e a da profetisa Ana, como se fossem os santos que compõem o cartão caboclo de uma festa junina religiosa. As imagens dos rostos, da delicadeza e da serenidade que expressam perfeita paz e perfeita espiritualidade. E a profetisa Ana? Se não me engano, a profetisa Ana é a única figura feminina – não se punha cabralismo apedreirando as mulheres – neste jogging econômico da capela privativa do Palácio da (Virgem) Aparecida.
A obra nos mostra a maestria do autor em unir a tradição bizantina, com sua rigidez e formalidade, às novas tendências artísticas da época. O que se poderia chamar de “barroco mineiro” encontra a arte bizantina, uma vez que o artista parece ter buscado, nas velhas tradições, os elementos suficientes para dar forma a um novo estilo. O ícone é, portanto, um espelho da cultura da época, que se esmerava em renovar suas tradições sem perder juízo do valor delas. Ele é, assim, um exemplo magnífico da arte pós-bizantina.
A tradição iconográfica de Hypapanti
A cena da Ceia do Senhor é uma das festas mais importantes do ano litúrgico e foi estabelecida como parte integrante dos Doze na iconostase das igrejas ortodoxas. No ícone que estamos examinando, que data do início do século XVIII, o artista desconhecido da escola jônica cria uma composição de extraordinário poder técnico e espiritual.
A cena central se desenrola em um cenário arquitetônico interior caracterizado por aberturas em arco e colunas, elementos que acrescentam profundidade e monumentalidade à composição. A Theotokos, vestida com um maforium vermelho intenso, apresenta o bebê divino ao ancião Simeão, que, respeitoso e admirado, estende as mãos cobertas para dar as boas-vindas a Cristo, enquanto a profetisa Ana, segurando um pergaminho, observa o evento divino em um clima profético. A cena é representada com intenso drama e conteúdo simbólico que vai além da simples narração do texto do Evangelho, pois a arte jônica do século XVIII combina de forma única a tradição bizantina com influências artísticas ocidentais, criando um estilo particular que caracteriza a produção artística local(Melenti). As formas.
As escolhas de cores do artista são particularmente cuidadosas, com o fundo dourado dominando e criando uma atmosfera transcendente. As vestimentas das figuras são representadas com ricas dobras e fortes contrastes de cores, enquanto os rostos são caracterizados por modelagem delicada e interioridade. A disposição hierárquica das figuras e a organização simétrica do espaço enfatizam o significado teológico do evento e sua dimensão litúrgica.
O ícone, medindo 0,725 x 0,47 m, faz parte da propriedade de Anastasios e Maria Valadoros e é de grande interesse para o estudo da arte jônica do século XVIII. Seu estilo faz parte do contexto mais amplo da pintura pós-bizantina nas Ilhas Jônicas, onde o encontro de elementos orientais e ocidentais criou uma expressão artística particular.
Estilo e expressão artística
A análise estilística do quadro revela a alta qualidade artística do pintor jônico. A excepcional habilidade na reprodução de detalhes, combinada com a composição equilibrada, atesta a maturidade da escola jônica no início do século XVIII. O artista usa a têmpera de ovo com excepcional habilidade, criando transparências e gradações tonais que acrescentam profundidade e vibração à composição.
A estrutura arquitetônica do espaço, com suas aberturas em arco e colunas, cria um ambiente que combina elementos da tradição bizantina com influências ocidentais, enquanto a gestão do fundo dourado e os intensos contrastes de cores revelam a identidade artística particular das Ilhas Jônicas(Melenti). As figuras são representadas com excepcional atenção aos detalhes, pois o artista consegue combinar a sacralidade da arte bizantina com uma representação mais naturalista das características e das vestimentas.
No centro da composição, a Theotokos é o ponto de referência em torno do qual toda a cena é organizada, com as outras figuras dispostas em um arranjo dinâmico, mas equilibrado, que guia o olhar do observador para os pontos principais da narrativa. A representação das roupas com suas ricas dobras e a alternância de superfícies claras e sombrias criam uma sensação de movimento e volume que dá vida à composição.
A paleta de cores do artista é rica e sofisticada, com o vermelho profundo do mafhorion da Virgem dominando a composição, enquanto os vários tons de verde e azul nas roupas das outras figuras criam uma unidade cromática harmoniosa. O uso do fundo dourado, um elemento tradicional da iconografia bizantina, assume uma nova dinâmica por meio do tratamento do artista, que o utiliza para criar uma atmosfera transcendente.
De particular interesse é a representação dos rostos, em que o artista consegue combinar a espiritualidade da tradição iconográfica ortodoxa com uma expressão mais humana de emoção. Os rostos, embora mantenham sua expressão sacerdotal, adquirem uma interioridade que os torna acessíveis ao espectador.
Simbolismo e implicações teológicas
O simbolismo da Última Ceia destaca verdades teológicas fundamentais por meio da linguagem visual da arte jônica. O programa iconográfico da iconostase, da qual o ícone faz parte, funciona como uma ponte entre os mundos terreno e celestial. A cena se passa em um cenário arquitetônico que simboliza o Templo de Jerusalém, onde o encontro entre o elemento divino e o humano adquire uma substância material.
O significado teológico do evento é refletido na posição central da Virgem, que apresenta Cristo a Simeão. No ícone, que faz parte do legado de Anastasios e Maria Valadoros, o artista conseguiu representar com maestria excepcional o momento do reconhecimento do Messias pelo ancião Simeão, enquanto a presença da profetisa Ana acrescenta uma dimensão profética adicional à cena(Epstein).
O gerenciamento do espaço e da luz na composição enfatiza o caráter espiritual do evento. As aberturas em arco e as colunas criam um ambiente que transcende as simples imagens arquitetônicas, transformando o espaço em um símbolo da presença divina. A profundidade dourada, que domina a composição, serve como um lembrete da graça divina que permeia o evento.
Os gestos e as posturas das figuras revelam significados teológicos mais profundos. As mãos cobertas de Simeão, dando as boas-vindas a Cristo, simbolizam a reverência ao divino e o reconhecimento da sacralidade do momento. A pose da Virgem, entregando o bebê divino, sugere a oferta voluntária do Filho para a salvação do mundo.
A presença do pergaminho nas mãos da profetisa Ana serve como um elo entre o Antigo e o Novo Testamento, lembrando o cumprimento das profecias. A composição como um todo destaca o significado atemporal do evento da Última Ceia como um ponto de encontro entre o humano e o divino, o passado e o futuro, e a profecia e seu cumprimento.
Pintura jônica do século XVIII
Ah, o século XVIII nas Ilhas Jônicas! Um verdadeiro caldeirão cultural fervilhando, onde a pintura floresceu com uma identidade única. Os artistas locais, como verdadeiros “mestres cuca” da arte, misturaram a tradição ortodoxa, com suas cores vibrantes e figuras sagradas, com as novidades que chegavam lá da Europa, criando um estilo que era a cara do Brasil daquela época.
Imagine só: igrejas e mais igrejas sendo decoradas com ícones que pareciam telas renascentistas, mas com um toquezinho brasileiro, tipo um Aleijadinho em terras gregas. E o ícone de Hypapanti que estamos admirando, com seus 0,725 x 0,47 metros, é um exemplo de primeira! Dá para ver que a “escola jônica” já estava no auge, dominando as técnicas e espalhando sua influência por todo o mundo ortodoxo, como se fosse um Carnaval da arte religiosa.
Os pintores da época, antenados e criativos, não se contentavam em copiar o passado. Eles pegavam a tradição bizantina, com seus desenhos austeros e cores chapadas, e davam uma “incrementada” com as ideias modernosas que vinham de fora, criando um estilo que era puro charme e elegância. Era como misturar Carmem Miranda com Tarsila do Amaral! As cores, então, eram um espetáculo à parte, vibrantes e sofisticadas, e as figuras, desenhadas com precisão, pareciam ganhar vida na tela.
Esses artistas jônicos, como Anastasios e Maria Valadoros, eram verdadeiros “feras” em retratar temas religiosos, mas sem cair na mesmice. Eles davam um toque especial, uma “pitada” de emoção e realismo que deixava tudo mais interessante, como se a gente pudesse sentir a fé dos personagens. Era como assistir a uma missa de domingo com direito a show de música sacra! Essa mistura de estilos, essa “ginga” brasileira na arte jônica, resultou em um estilo único e marcante, que até hoje nos encanta e inspira.
O legado da arte jônica
O valor cultural da arte jônica do século XVIII é refletido de forma excepcional no ícone da Anunciação que estudamos. A obra, com suas qualidades artísticas especiais e sua excelente execução técnica, é um exemplo representativo de uma época em que o encontro de elementos orientais e ocidentais criou uma expressão artística única nas Ilhas Jônicas. A composição, que combina com maestria a espiritualidade da tradição ortodoxa com as aspirações artísticas de seu tempo, atesta a maturidade da escola jônica e sua contribuição significativa para o desenvolvimento da arte pós-bizantina. Esse legado continua a inspirar e ensinar, lembrando-nos da importância do diálogo entre diferentes tradições artísticas.
elpedia.gr
Bibliografia
Melenti, M. (2007). A “conversa” de corpos sagrados na pintura das Ilhas Jônicas no século XVIII: a “companhia” dos santos do culto local. Peri Istorias.
Melenti, M. (2003) Observations on the painting tradition of Corfu in the 18th century: A “conversa” artística dos pintores da diáspora. Peri Istorias.
Epstein, A.W. (1981) The middle Byzantine sanctuary barrier: Templon or Iconostasis?
